El Veintiuno acogió un concierto acústico de Love of Lesbian

Hacía ya un tiempo que Luis Costa iba tras Love of Lesbian para que el grupo barcelonés actuara en su sala. Y ahora, coincidiendo con el 15⁰ aniversario de El Veintiuno, finalmente ha sido posible… aunque en una versión reducida de la banda y en formato acústico. 

No era la primera vez que Love of Lesbian actuaba en Huesca. Su debut en la capital oscense se produjo en marzo de 2008 en el Jai Alai en el marco de una fiesta de presentación de la que un mes después iba a ser la primera edición del festival Tremendo Pop de Monzón, que organizaba DJ Tupe. Casi diez años después, en 2017, la banda de Santi Balmes volvería a actuar en Huesca en las fiestas de San Lorenzo, en una noche compartida con Joe Crepúsculo y los oscenses El Verbo Odiado.

Y en este inicio de 2026, regresaban a la capital oscense (la capital mundial, como luego se verá) para actuar en un formato reducido, compuesto por el líder de la banda, Santi Balmes (voz y guitarra), Julián Saldarriaga (guitarra) y el productor del grupo, Dani Ferrer (teclados). Desde el principio de su actuación, en medio de una atmósfera festiva, se apreció claramente que la actuación iba a ser un acto familiar, con mucho humor y generosas dosis de complicidad entre artistas y público. 

De hecho, idearon su concierto casi como si fuera un bingo en el que la gente decidía el orden de las canciones. «Me siento como un jukebox«, dijo Santi Balmes, haciendo referencia a las viejas gramolas. Por su parte, Saldarriaga señaló que «hoy vamos a hacer lo que nos dé la gana«.

Y así, hablando casi tanto como tocando, y en un ambiente de camaradería, comenzó la actuación de uno de los grupos más carismáticos del indie nacional con uno de sus temas emblemáticos, Domingo astromántico, que se caracteriza por su delicado pop atmosférico. 

La actuación fue un recorrido por toda su discografía (excluidos sus primeros álbumes en inglés), aunque de su último trabajo, Ejército de Salvación, solo interpretaron dos temas. Después continuarían con temas como Música de ascensores, Cuestiones de familia (una de sus canciones más hermosas, de su álbum 1999) o Noches reversibles. No dejaron de agradecer la existencia de salas como El Veintiuno e hicieron varias referencias a las conocidas frases lapidarias de Loquillo, como cuando en un recinto le dijeron que allí no se podía fumar, y él, con su chulería habitual, contestó «eso es imposible, el personaje fuma».

Siguieron con Segundo asalto, I.M.T. (Incapacidad Moral Transitoria) (coreada por el público a pleno pulmón, sobre todo en su gran clímax final) o Un día en el parque, que en ese formato íntimo sonó casi en modo country o a la manera del sonido americana. Llegaba después el momento de la única versión del concierto, nada menos que de Lucha de gigantes de Nacha Pop, mítica composición de Antonio Vega, de la que Balmes dijo que le habría gustado componerla él.

Continuaron con Los colores de una sombra y con la emblemática 1999, en la que incrustaron guiños a la célebre canción popular mexicana La llorona y a una de las mejores perlas del pop español, ¿Por qué te vas? de Jeanette, que, por cierto, es una composición de José Luis Perales. ¿Qué vas a saber? fue uno de los dos únicos temas de su último disco que tocaron y que en el álbum interpretan junto a Amaral. Continuaron con la enérgica Me amo (con un cierto parecido a The lovecats de The Cure) y con El mundo, una de sus canciones más originales, construida en forma de letanía. 

Y así se llegaba a uno de los momentos más locos y divertidos de la actuación, cuando en medio del tema Incendios de nieve les entraron «ganas de mear» -en sus propias palabras- a los tres músicos y, ni cortos ni perezosos, se fueron al baño (situado justo al lado opuesto del escenario) atravesando toda la sala entre la gente, mientras el público seguía cantando el estribillo hasta que salieron del baño (a todo esto, todo el mundo con sus móviles esperando su salida) y se fueron de nuevo al escenario, donde acabaron de interpretar la canción. Algo verdaderamente surrealista, para los anales de El Veintiuno. Balmes, muy divertido, concluía la «operación», diciendo que «lo que pasa en Huesca se queda en Huesca». 

El trío enfilaba ya la recta final del concierto con La niña imantada (interpretada con un cierto aire jazzy) y uno de sus temas más populares, Club de fans de John Boy, aunque deformado hasta hacerlo casi irreconocible, en forma de tango. Tras un alegato contra el peligro que entraña la llegada de la ultraderecha, interpretaron ese himno generacional que es Allí donde solíamos gritar, uno de sus mejores temas. 

Y el final definitivo llegó con el otro tema de su último disco, La hermandad, coreado por todo el mundo, que el propio Santi Balmes definió como «un himno a la amistad». «Gracias, Huesca, la capital mundial», gritó Saldarriaga al despedirse. Por los altavoces sonaba La capital mundial (sí, Huesca), el rap humorístico de Da Flowers de hace diez años, en el que, por cierto, hacía un cameo el propio Santi Balmes. Cerrando el círculo

Texto: Luis Lles

Fuente: Diario del AltoAragón

El Verbo Odiado presentó su cuarto álbum en El Veintiuno

Aunque no era una corriente homogénea, el existencialismo —al que se adscribieron de una forma u otra figuras tan distintas e incluso antagónicas como Kierkegaard, Nietzsche, Camus o Sartre— consideraba que el punto de partida de su concepción filosófica era el individuo y la experiencia subjetiva. Y todos ellos compartían un interés obsesivo por conceptos como la condición humana, la libertad, las emociones, el sentido de la vida o la desesperanza.

A la luz de todo ello, se podría afirmar que el grupo oscense El Verbo Odiado es heredero del existencialismo, que comparte sus mismas preocupaciones, a las que ellos añaden el amor (y el desamor) y la muerte, idea que aparece en muchas de las letras de sus canciones. Parafraseando el título de una película de John Huston de 1969, se podría decir que los conciertos de El Verbo Odiado constituyen un paseo por el amor y la muerte.

Estos nuevos existencialistas, que el viernes presentaron en directo en El Veintiuno su cuarto álbum, El Gran Odio, a nivel musical beben de corrientes como el shoegaze, el noise pop o el post-punk. En todo caso, se trata de música introspectiva, ensimismada, a veces de una profundidad abisal y siempre con tendencia a la creación de atmósferas intensas y obsesivas.

Desde que se formó en el año 2012, el grupo ha experimentado una formidable evolución, sin salirse nunca de su senda personal y ganando por el camino un número creciente de fans, como lo demuestran sus dos recientes sold outs consecutivos en la Sala Cadavra de Madrid, su incorporación al programa GPS (Girando Por Salas) o la muy buena entrada del viernes en El Veintiuno, con un público que se conocía ¡todas! sus canciones. Parecen estar, sin duda, en su definitiva rampa de lanzamiento.

Y, desde luego, Jorge Pérez —en su papel de líder taciturno—, Jorge Moreno, Adrián Mored, Pepé Ibáñez y Juan Ramón Plaza forman una banda cada vez más compacta y poderosa. Dividieron su actuación en dos partes. En la primera interpretaron al completo su nuevo álbum, y en la segunda repasaron algunos de los temas de su discografía anterior.

La noche comenzó en plan intimista con Un río nuevo, tema de claro carácter confesional y guiado por una guitarra desnuda de artificios. Siguieron con uno de los hits de su nuevo trabajo, Canción rota. Y tras mostrar su lado más pop en el tema Centro de gravedad, subieron el nivel de intensidad con Laberinto, que terminó con una bella y silenciosa coda final.

K2 —certera metáfora—, en clave de post-punk, evocó el más puro existencialismo con esa letra que repite “nacer para morir”. De nuevo, subió la intensidad con El texto, y en El canto del cisne siguieron una fórmula que suelen aplicar en bastantes de sus canciones: un inicio íntimo y tranquilo que va subiendo el tono hasta llegar a un final explosivo.

El sonido shoegaze de La metamorfosis dio paso al pop férreo y rotundo de El Gran Odio y, por último, al tema que da nombre al grupo, El Verbo Odiado, una suerte de montaña rusa sonora que da comienzo con una bruma pesadillesca para después ir subiendo y bajando su intensidad hasta desembocar en un largo final instrumental en clave noisy.

Hasta allí había llegado la presentación de su nuevo disco. Y tras un breve descanso, que aprovecharon para cambiar algunas cuerdas rotas, el grupo oscense subió de nuevo al escenario para ofrecer una segunda parte con temas de sus anteriores álbumes, comenzando con la contundente y lacerante La pasión y siguiendo con ese Maniatados que cabalga sobre un hipnótico y lisérgico ritmo motorik propio del krautrock.

A la nebulosa noisy de La mancha, le siguieron el perturbador Semifinal (a vida o muerte), el shoegaze pop de Fargo y uno de sus hits incontestables, A punto de fuga, que a mí siempre me evoca a los primeros U2, con su brillante e infeccioso riff de guitarra. Y el final llegaba con la intensidad ígnea de La peor deuda.

Pero faltaba la propina, para la que no pudieron elegir mejor tema, El odiado, con su inicio planeador sobre la base de un sintetizador y su desarrollo en forma de clímax que no llega nunca a alcanzarse, siguiendo en cierta forma el mismo esquema del Bolero de Ravel, pero en clave post-punk, con los fantásticos coros agudos de Pepe apoderándose del explosivo, intenso y catártico final del tema. Un magnífico broche para una actuación que sirvió para confirmar el excelente momento actual del grupo.

Texto: Luis Lles

Fotos: Rafa Ariño

Fuente: Diario del AltoAragón

Karavana realizaron su debut oscense en El Veintiuno

Es evidente que el titular de esta crónica es un oxímoron. Romanticismo y punk son dos términos antitéticos. El verdadero punk siempre fue nihilista. Más incluso que político o combativo, fue nihilista. Y, desde luego, el nihilismo está muy alejado del romanticismo.

Claro está que lo que hace Karavana, grupo madrileño que el viernes hacía su debut oscense en la sala El Veintiuno, tampoco es punk en sentido estricto. Se trata más bien de punk-pop. Punk pijo lo llaman algunos. Y es que, aunque ellos citan a The Strokes o The Vaccines como referentes (que sí, también), lo cierto es que son un eslabón más en esa cadena que une a los Hombres G con los Nikis y con Carolina Durante. Y es que, como se suele decir, quizá la historia no se repite, pero rima.

En todo caso, la música de Karavana tiene un componente claramente generacional. Una música vibrante, electrizante y ruidosa, con unos estribillos pegajosos como un chicle y unas letras que casi siempre hablan de amor (y desamor)… y del angst, esa angustia vital que suele aquejar a la juventud y que tiene más que ver con los millenials que con la Generación Z.

Espectadores de estas dos generaciones fueron los encargados de corear todas y cada una de las canciones que interpretó Karavana, cuyo cantante Gonzalo Boatas se adhirió a algo que parece estar convirtiéndose ya en una moda o en algo habitual: la ascendencia oscense de algunos de los artistas que nos visitan.

Y es que Boatas dijo que su abuela paterna era oscense. Hace pocas semanas fue la cantante de las Hinds en esta misma sala quien presumió de parentela oscense. Pero antes lo han hecho, entre otros, Carlos Sadness, Maria Arnal, Jarabe de Palo o la mismísima Geri Halliwell de las Spice Girls. Pues bien, bienvenidos sean los oscenses y altoaragoneses de la diáspora.

Karavana posee un directo potente y enérgico, que engancha desde el primer momento al público, que bailó y se desgañitó coreando las canciones a voz en grito durante todo el concierto. La noche dio comienzo con Amores y errores, todo un hit de vibrante indie punk con el que comienza su segundo álbum, Entre amores y errores, que interpretaron al completo y que fue el eje central de su actuación, aunque no faltaron tampoco algunas de las canciones de su primer trabajo, Muertos en la disco.

Siguieron en la misma onda con Resaca pop, pero viraron a un post-punk rayano con el heavy con Mismos vicios. Después llegarían el punk-pop de Ya no puedo más, el power pop de ese gran hit que es Martes, sábados y de la energética Qué bien los dos, entre las cuales sonó también la canción más poppie de la velada, Cariño. Manteniendo el pulso punk-pop, continuaron después con Qué putada, Después de tanto, Hoy (en una veta más puramente pop), El final (uno de los más coreados por el público) o Madrid, otro de esos hits instantáneos que Karavana tiene en su repertorio.

Y llegó el momento de la que, al menos en opinión de este cronista, es su mejor canción: Fantasma, con su adhesivo estribillo y con ese soniquete de power pop ruidoso que les conecta a los fantásticos Undertones. Ya en la recta final, encadenaron Strokes (su tributo a la banda neoyorquina en el que arremeten contra C. Tangana), Pastillas y ¿Quién quiere más (MDMA)?, otro de sus mejores temas, su réplica electropunk al Así me gusta a mí de Chimo Bayo, que desemboca en un auténtico nirvana noisy.

El broche final lo puso El verano de los 27, otra andanada de punk-pop en la que hacen referencia a todas esas figuras de la música que han fallecido a los 27 años: de Jimi Hendrix y Janis Joplin a Jim Morrison o Kurt Cobain, pasando por Amy Winehouse.

Al final, Karavana no interpretó su divertida versión punki de Tití me preguntó de Bad Bunny. Lástima. Pero eso no pareció importarle a la extasiada y satisfecha audiencia, que disfrutó a placer con la actuación de esta joven banda madrileña.

Texto: Luis Lles

Fotos: @Alexio.Raw

Fuente: Diario del AltoAragón

El grupo catalán Anabel Lee hizo su debut en la sala oscense El Veintiuno

En la presente temporada la sala El Veintiuno está apostando por muchos artistas y grupos que no habían hecho todavía su debut en Huesca. Uno de ellos, Anabel Lee, actuó el sábado en la sala oscense.

El trío de Tarrasa, que está formado por el cantante Víctor Mejías, el bajista Albert Perdices (que no paró de dar botes toda la noche) y el baterista Jordi Orellana y que en esta actuación oscense contó con una joven guitarrista como apoyo a la música del trío, se creó en 2019 y basa su sonido en una poderosa combinación de power pop, punk y nueva ola ochentera, tal como se pudo apreciar claramente en los dos álbumes que han grabado hasta la fecha, el homónimo Anabel Lee y Ganamos perdiendo.

Anabel Lee es el título de un cuento de Edgar Allan Poe y es también el de una canción de Radio Futura, que al parecer, es el verdadero origen del nombre de este grupo, que, de cualquier forma, afirma que en su caso se pronuncia Anabel Lee (tal como suena) o Anabel “Li”.

Con un público ganado para la causa desde el primer momento, el grupo arrancó su actuación con Deberías estar conmigo, el tema que inauguraba su primer álbum en clave de puro power pop. Las dos siguientes piezas se situaron más cerca del indie: Sobran detectives y Cristales rotos, cuyo ritmo pareció evocar esa joya del pop español que es Perlas ensangrentadas de Alaska y Dinarama.

Volvieron al power pop con Tus putas canciones, que trata sobre la evanescencia de la música. Enlazaron después un punk-pop a lo Rezillos/Revillos de Roma caerá y Me das asco, tema coreado a voz en grito por todo el público.

Por su parte, Fleabag (gente real) miró al punk nuevío de Glutamato Ye-Yé. Llegó después uno de los más esperados de la noche, Enchochado de ti, muy en la onda del punk-pop, entre Weezer y Green Day, uno de sus referentes.

Drama en el Sonorama comenzó a lo dulce de balada para pasar después a un pop-rock melódico, en la misma línea de El espacio, al que precedió Qué quieres de mí, canción en la que hicieron un guiño al Cumpleaños total de los Planetas.

Tampoco faltó su tema más reciente, avanzo de su tercer álbum, Ven a juzgar, en clave de post-punk, envuelto en unos arreglos oscuros. Y siguieron después con Cabezas de cartel, que se acercó de refilón del Dancing with myself de Billy Idol.

La sorpresa saltó cuando asombraron a los allí presentes con Como un burro amarrado en la puerta del baile, el conocido tema de El Último de la Fila que Víctor Mejías cantó subido a la barra. Una acción que constituye ya un clásico de El Veintiuno.

Ya en la recta final, Anabel Lee interpretaron la rockera La mejor canción del año y, como broche, Natural para Vogue, de nuevo evocando al gran Billy Idol.

Se despidieron saludando al público mientras sonaba por los altavoces American Idiot de Green Day, un clásico del punk-pop. Y es que está claro que este grupo de Tarrasa combina la actitud punk con un corazón pop.

Texto: Luis Lles

Fotos: @Alexio.Raw

Fuente: Diario del AltoAragón

Las bandas Behaves! y Levitants compartieron velada en la sala El Veintiuno de Huesca

TIEMPOS nuevos, tiempos salvajes. Es lo que cantaban los Ilegales en los 80. Siguen cantándolo y, tal como está ahora mismo el panorama mundial, es un mensaje que continúa teniendo absoluta vigencia. Porque estamos viviendo unos tiempos nuevos decididamente salvajes. Y como corresponde a esta época, los grupos también están acentuando su vertiente más dura y montaraz, y, como diría Lou Reed, se van de paseo por el lado más salvaje y electrizante. Es algo que dejaron muy claro los dos grupos que compartieron el pasado sábado el escenario de la sala oscense El Veintiuno: los locales Behaves! y los vallisoletanos Levitants, dos bandas muy diferentes, pero unidas por su pasión por la electricidad.

Salieron a la palestra en primer lugar los oscenses Behaves! en la que era tan solo la tercera actuación de su carrera. Se les había visto anteriormente en la última edición del Garrampa Fest, pero en esta ocasión se enfrentaban a su público cuerpo a cuerpo. Y, desde luego, salieron victoriosos de la prueba, cuajando una actuación vibrante y con plena conexión con el público.

Su música, con un claro acento british, parece situarse en medio de un imaginario eje que uniera las ciudades de Londres, Manchester y Nueva York. Con el cantante Carlos Naval sacando a relucir su descomunal y revoltoso histrión, y bajo la batuta más serena del guitarrista Chema García, este grupo surgido de la disolución de The Bärds y Lucca ofreció un repaso a su primer EP, adobado con varios temas nuevos y alguna que otra versión. Iniciaron su actuación con In & Out, su banderín de enganche, el tema que les ha abierto las primeras puertas, un tema que recuerda a los Blur más energéticos.

Siguieron con Kiev, con un ritmo nervioso y unas guitarras afiladas y cortantes a la manera de The Fall, y con April’s Fool (el Día de los Inocentes, que en el mundo anglosajón se celebra el 1 de abril), que sonó como una curiosa mezcla entre la scallydelia de Stone Roses y el rap alocado de los Beastie Boys. Tras interpretarlo, tuvieron unas palabras de recuerdo para Merio, el rapero del grupo oscense Fongo recientemente desaparecido en un accidente.

Después le llegó el turno a la canción que les da nombre, Behave! en clara onda post-punk, una andanada de rabia y trepidación. La primera versión que realizaron fue de Bonehead’s Bank Holiday de Oasis, antes de la cual Carlos Naval, con su humor y sorna habitual, dijo que esto era lo más cerca que los que estábamos en la sala íbamos a estar de ver a Oasis en su gira de retorno. Ray of light (que no, no es el tema de Madonna) es una de sus piezas más poderosas y magnéticas, algo así como un cruce entre la Velvet Underground y los Primal Scream más stonianos.

Y tras ese Hit Radio que les acerca al sonido neoyorquino de The Strokes, llegó la sorpresa con dos canciones nuevas cantadas en castellano: la primera, Todos tienen las llaves de mi casa menos yo, es más pop y contiene una letra de las que crean adicción. Y la segunda, la explosiva Está mal, es todo un hit en potencia, que recuerda a unos planetas con sobredosis de garage punk. Zanjaron su actuación con una magnífica versión del Common People de Pulp, a la que dotaron de un aire obsesivo a lo Modern Lovers. Perfecto broche para una actuación que no hace más que confirmar que estamos ante un grupo con un potencial enorme. ¡No les pierdan la pista!

Tomaron el relevo los pucelanos Levitants, que tras dos discos cantando en inglés, han apostado recientemente por el castellano. Levitants es, en realidad, el proyecto personal del cantante, compositor y guitarrista Sergio Isabel, a quien ahora acompañan el bajista Marcos Merillas, el guitarrista Sergio Arconada y el baterista Pablo Sanz.

Arrancaron con el potente indie rock de La ventana, uno de los temas que componen su último álbum hasta la fecha, Futuro inmediato, que interpretaron prácticamente al completo. Desde el primer momento fueron introduciendo también temas nuevos, como Sofisticado, en una onda más lisérgica y con cierta conexión con Los Planetas. Y entre dos canciones de su álbum Enola que les acercan a ese post-punk del siglo XXI de grupos como Interpol, Editors o White Lies (Suicide y Red lines), sonó otro de sus temas nuevos, Visionarios, prácticamente situado en el inhóspito y duro terreno del stoner rock.

Al veloz ritmo de Paladines de Occidente le sucedió otra canción nueva, a caballo entre el post-punk y el grunge más doliente, Ciudad de viejos, que enlazaron con la parte más oscura de su actuación, la conectada a grupos como Sisters of Mercy, The Mission o Héroes del silencio, con temas como Vámonos, Uno de los nuestros o ese gran hit del gothic rock que es Kolmanskop.

Después Sergio Isabel se bajó del escenario y solo con su guitarra acústica cantó entre el público-que guardó ¡por fin! un riguroso silencio- su tema Oeste, muy próximo al espíritu indie. De nuevo sobre el escenario, continuó con la onda de emopop indie a lo Izal con Nuevas me- tas. Y ya en la recta final, remataron con su hit Adelante (con una línea de bajo muy en sintonía con The Cure) y con el tono épico de Nuevas generaciones. Así se cerraba una velada en la que el público había sido obsequiado con una doble dosis de furia y electricidad.

Texto: Luis Lles

Fotos: @Alexio.Raw

Fuente: Diario del AltoAragón

Marilia Monzón realizó su debut oscense en la sala oscense El Veintiuno

OPERACIÓN TRIUNFO ha sido siempre un formato televisivo tan popular como discutido. Un programa que ha generado muchas estrellas de la música, pero también algunos juguetes rotos. Y entre toda la maleza de OT han surgido a veces algunas flores raras, que han logrado hacer una carrera interesante más allá del aspecto comercial.

Entre ellas está Marilia Monzón, una canaria de Gáldar que, como ella misma dijo en su actuación del sábado en El Veintiuno -en su debut en Huesca-, ha decidido, tras participar en el famoso concurso en su edición de 2018, crear lejos del ruido, transitar caminos de tierra fuera de las autopistas.

Marilia Monzón pertenece a esa nueva generación de cantautoras que, como la mexicana Silvana Estrada, parecen reivindicar desde una perspectiva contemporánea el legado de mujeres como la chilena Violeta Parra o la argentina Leda Valladares.

Posee, además, una voz muy hermosa, a la que perjudica quizá su excesiva tendencia al requiebro y al gorgorito (¿vestigios de OT?), lo que por otro lado impide en muchas ocasiones entender bien las letras de sus, en todo caso, atractivas canciones. Su voz es excelente, pero probablemente necesita un poco de contención.

Ante un público escaso, pero muy atento, salió al escenario rodeada de un grupo de brillantes músicos: Pablo Seijas (guitarra acústica), Julián Seijas (bajo), Nico Vieites (guitarra eléctrica), Mai Prieto (violín y teclado) y un batería que sustituía al previsto Adrián Seijas.

Inició su actuación con Quiéreme libre, un tema con aire de vidalita, influido por el folclore andino, que se incluye en su primer álbum, Prenderé una velita, que ha sido producido por Juanma Latorre, guitarrista y teclista de Vetusta Morla. Disco que repasó en su actuación casi al completo.

Con ese pandero cuadrado al estilo de Peñaparda -que es cada vez más habitual en el mundo del folk- interpretó otro tema en esa misma onda latinoamericana, Semilla, al que siguió después Trazando rutas, canción que editó como single en 2020 y que, al igual que el siguiente tema, el precioso Brindando por ti, es una balada con aires de bolero pop.

Para animar la velada, interpretó más tarde la chacarera La marea, que sonó con un cierto toque psicodélico, y la cumbia Selva, uno de sus hits, que en el disco posee un leve aire de reguetón y que el público coreó a pleno pulmón.

Tras otra chacarera, A las niñas, Marilia Monzón anunció que el 28 de julio estaría en el festival Pirineos Sur compartiendo escenario con Mon Laferte, y dio paso a dos canciones nuevas que todavía no tenían título, La primera, con el título provisional de su primera frase, Hay un fuego prendido entre tú y yo, habla de incendios amorosos y la interpretó en solitario, acompañada sólo por su guitarra eléctrica.

La segunda comienza como una emotiva balada que después se abre al folclore andino (con pandero y con pizzicato en el violín), y en la que reclamó el apoyo del público para que cantara Con ella.

Llegó el momento entonces de su canción favorita -y la de este cronista-, la maravillosa Tranquilo, mi corazón, conducida por un hipnótico efecto electrónico que le confiere un aire de futurismo latino. Después interpretó Lo que guardo, una emocionante e intensa balada en la que estuvo acompañada únicamente por la guitarra eléctrica, con Nico Vieites introduciendo momentos noisies.

El final de la actuación llegó con dos de sus temas más populares, Bailo conmigo misma, y la que da título al disco, la magnífica Prenderé una velita, que de nuevo remite a su referencia principal: el folclore latinoamericano.

El público reclamó un bis y, como dijo no tener más repertorio, volvió a interpretar la cumbia Selva, que acabó por dejar al público plenamente satisfecho. Una actuación con la que, por otro lado, se clausuraba la presente temporada de El Veintiuno.

Texto: Luis Lles

Fuente: Diario del AltoAragón

Derivas reunió a 300 espectadores y la historia del grupo narrada por Ignacio Reyo y Antonio Cardiel, a unos 100

El Teatro Municipal de Los Titiriteros de Binéfar registró la pasada noche del sábado prácticamente un aforo completo, con alrededor de 300 espectadores, en la actuación de la mejor banda tributo de Héroes del Silencio, Derivas.

Los zaragozanos, fieles a la estética rockera creada hace cuarenta años por Bunbury, Cardiel, Andreu y Valdivia, hicieron estremecer a un público entregado desde el primer acorde de himnos como Maldito duende, Entre dos tierras, Héroe de leyenda y La chispa adecuada.

El tributo organizado por la Concejalía de Cultura y El Veintiuno contó, como anticipo al concierto, con una conferencia, también en el Teatro Municipal. Los encargados de impartir esta charla fueron el periodista musical y buen conocedor de la banda Ignacio Reyo, que estuvo acompañado por Antonio Cardiel (hermano de Joaquín, bajista de la banda), autor del libro La historia de una banda de rock mítica: Héroes del Silencio, así como por José Luis López, actual presidente del club de fans Las líneas del Kaos.

Este formato de tributo musical tendrá continuidad durante los próximos años con otras bandas como protagonistas, como volvió a recalcar en una nota de prensa la concejala de Cultura, Beatriz Oliván, que presenció la actuación junto con la alcaldesa, Patricia Rivera.

Texto: D. A.

Fuente: Diario del AltoAragón

The Suitcase Brothers ofrecieron un divertido y magnífico concierto en El 21

Santos y Víctor Puertas son dos hermanos de Sant Just Desvern (Barcelona) que sien- ten verdadera devoción por el blues rural, el blues más orgánico y próximo al folk.

Pero frente a la ortodoxia y la mera imitación de otros artistas que tratan con este valioso material, The Suitcase Brothers apuestan por aplicarle un sentido del humor muy ocurrente y lenguaraz. Vaya, que se toman sus conciertos con mucho humor.

Pero todo ello sin menoscabo de una interpretación tan cálida y cercana como rigurosa y brillante. Y es que tocan realmente muy bien sus respectivos instrumentos (guitarra y armónica), y exhiben unas voces prodigiosas y llenas de emoción y feeling.

Por lo demás, tocan una música primitiva, el blues, que es tan tosca como hermosa. Una música de una sencillez máxima, que ha experimentado una escasa evolución a lo largo del tiempo, pero que mantiene intacto su poder de fascinación, extensible al (a veces dudoso) encanto de unas letras que, como dijo Santos Puertas, hoy en día no pasarían la prueba de lo políticamente correcto.

El blues que practica este dúo, que ha obtenido numerosos y merecidos reconocimientos internacionales, es decididamente vintage, muy cercano a veces al bluegrass de los Apalaches y siempre al country-blues y el folk-blues, las vertientes más acústicas del género. En su mismo nombre, The Suitcase Brothers (Los Hermanos de la Maleta), llevan grabada la errancia que ha caracterizado siempre al blues.

En su visita a El Veintiuno, el dúo venía a presentar su nuevo álbum, Love, truth and confidence, que constituye un emocionado tributo a una de sus principales influencias, la música de los míticos Sonny Terry & Brownie McGhee, abanderados del sonido piedmont blues, también llamado de la Costa Este, que se caracteriza por un fingerpicking muy sincopado en la guitarra.

Iniciaron, precisamente, su actuación con uno de los temas de ese disco, Cornbread, peas and black molasses, en pura vena country-blues. Siguieron con otro tema (éste no incluido en su nuevo disco) de Sonny Terry & Brownie McGhee, Youd better mind, y con esa joyita rural que es One dime blues de Blind Lemon Jefferson, otra de sus referencias claras.

Y, ante el embeleso del público, el concierto se fue deslizando por un repertorio que incluyó temas como Climbing on top of the hill de Bumble Bee Slim (retomado por Terry & McGhee), el magnético Sarah Jane de Jazz Gillum, a quien Santos presentó como enajenado mental (se pegó un tiro en la cabeza), o ese Big Road Blues de Tommy Johnson que más tarde replicarían Canned Heat.

Y al Sugar babe de Mance Lipscomb le siguió un instrumental en el que Víctor mostró su impresionante habilidad para cantar y soplar su armónica al mismo tiempo, mientras su hermano tocaba la percusión golpeando unas escobillas contra el dorso de su guitarra.

No se olvidaron del lado más religioso del blues al interpretar Just a closer walk with thee, un tema tradicional con aire de negro spiritual.

Después, Víctor realizó un increíble solo de armónica que dedicó al recientemente fallecido Phil Wiggins y en el que utilizó una técnica de respiración circular muy próxima de la del gran saxofonista Evan Parker.

Versionaron después el folk-blues tradicional John Henry, que cuenta la leyenda de este afroamericano liberto, y siguieron con Mama talk your daughter del gran J.B. Lenoir, para el que solicitaron la participación del público, que aceptó encantado.

La recta final la enfilaron con el tema que da título a su último disco, original de Sonny Terry & Brownie McGhee, y rubricaron su actuación con Cool down de John Cephas & Phil Wiggins (otros representantes del sonido piedmont blues) y con Take me back de Blind Lemon Jefferson, en una onda más cercana al bluegrass, en la que Victor deslumbró al personal tocando la armónica más pequeña del mundo —¡que logró hacer sonar incluso metiéndola dentro de su boca! —, y en la que Santos aprovechó para demostrar sus dotes de imitador al cantarla (¡y muy bien!) a la manera de Elvis Presley.

Por supuesto, hubo un bis, que consistió en una poderosa interpretación de Poor black Mattie de R.L. Burnside, ese gran representante del blues del Mississippi que en los años 90 fue reivindicado por Jon Spencer Blues Explosion.

Broche perfecto para una excelente velada que sirvió para reivindicar la absoluta vigencia del blues. Sobre todo si se hace con el desparpajo y el humor de estos hermanos. Hay gente que practica el revival de forma muy cansina, pero el de The Suitcase Brothers es revisionismo del bueno.

Texto: Luis Lles

Fuente: Diario del AltoAragón

Colectivo Panamera ofreció en El Veintiuno una versión ortodoxa de lo que se entiende por onda mestiza

En una sala El Veintiuno abarrotada hacía su debut en Huesca el sábado por la noche el Colectivo Panamera, cuya fama ha ido creciendo en los últimos años. Se trata de un grupo integrado en eso que se podría definir como Mestizaje 2.0, porque forman parte de una escena que no es la del ‘mestizaje del cambio de siglo XX al XXI, ésa que protagonizaron artistas y grupos como Manu Chao, Macaco, Ojos de Brujo o La Troba Kung-fú. No, Colectivo Panamera pertenece a la generación posterior del mestizaje y la fusión: la de Mr. Kilombo, Muerdo y El Kanka, con quienes suelen colaborar en sus canciones.

El cantante y guitarrista zaragozano Nacho Taboada y el bajista argentino Pepe Curioni son los pilares principales de una banda que se completa con Adri Cheriff (batería) y con el guitarrista Pablo Pérez, al que en su actuación en Huesca sustituyó otro guitarrista, que arrancó los aplausos del público con unos solos de guitarra muy rockeros e incendiarios.

Lo cierto es que muchos detalles de su música (la que han grabado en sus dos discos, Colectivo Panamera y Mares por navegar) se pierden en el directo. Pero, por otro lado, ganan en inmediatez y conexión con el público. La cumbia, el reggae, el rock y el pop (y sus combinaciones) constituyen los ejes fundamentales de su música.

Pero hay Otros, elementos, como el carnavalito modernizado de Quiero mucho más, uno de los primeros temas que interpretaron. Siguieron con la cumbia La décima, que unieron a una revisión cumbiera del célebre bolero mexicano Perfidia. A la balada pop estilo 60s Hace días le sucedió la mezcla de reggae y cumbia de El jardín, que contó con un curioso solo de guitarra con efectos twang a la manera del surf rock.

Por su parte, la cumbia rock Ninguna parte sonó mucho a Depedro, que parece ser otro de los referentes del Colectivo Panamera. Hicieron después una versión de El lado oscuro de Jarabe de Palo, con un solo de guitarra muy a lo Carlos Santana. No en vano, ese tema de Pau Donés era en cierta forma una réplica del Black magic woman de Santana.

Y la noche continuó con Tres otoños (su tema más reciente), la cumbia-rock Las grietas del tiempo, el pop-rock a lo Sabina de Quiéreme mucho o la cumbia-reggae con aires western Hacia el sur, que tuvo un final de pura catarsis rockera,

Y llegó el momento de los hits, con todo el mundo coreando a pleno pulmón: el reggae pop de Un río que se va, la cumbia-rock de La calle de la luna, el reggae de El arenal (su tema con Muerdo) o la cumbia-reggae de Para olvidar.

Con El huracán viraron hacia el country y el soft rock. Pero uno de los momentos álgidos de la noche llegó cuando los músicos del grupo bajaron del escenario para tocar entre el público una introducción de rock instrumental -con guiños al Misirlou revisado por Dick Dale y al Mystery train de Elvis Presley- al tema La carretera, con sus aires tex-mex.

Y en la recta final sonaron dos cumbias, Guadalupe y Te llevo dentro, en la que incluyeron una cita de Shakira. Finalmente, ante un público entregado y entusiasta, el carnavalito-rap Tiene flow puso el broche a una larga actuación (de casi dos horas), a la que siguió una sesión de Ponlaúltima DJs, que, para mantener el espíritu latino del grupo que acababa de tocar, se inició con el impulsivo Fuego de Bomba Estéreo.

Texto: Luis Lles

Fuente: Diario del AltoAragón

El trío barcelonés Mujeres puso patas arriba la Sala El Veintiuno

De trío en trío y tiro porque me toca. La noche del sábado fue la noche de los tríos en la capital oscense. Y es que, después de haber visto en acción al trío madrileño Gilipojazz en la Sala Genius, tocaba hacer lo propio con el trío barcelonés Mujeres en El Veintiuno.

Si la memoria no falla. ésta era la sexta vez ya que este grupo, en el que paradójicamente no milita ninguna mujer, actuaba en Huesca. La primera, en el año 2010, cuando acababan de publicar su primer disco homónimo, fue en un abarrotado Centro Cultural del Matadero en el marco de la edición «Nuevo» del festival Periferias. Después estuvieron en la Sala Genius y ésta era ya la cuarta vez que pisaban el escenario de El Veintiuno. Y al igual que les ha sucedido a Gilipojazz, también Mujeres ha ido agrandando su número de seguidores, y en esta ocasión la sala estaba también prácticamente llena.

Una vez más, Mujeres, el trío que forman Pol Rodellar (bajo), Yago Alcover (guitarra y voz) y Arnau Sanz (batería) -que sustituye al cheso Martín Gutiérrez- volvieron a hacer gala de su espíritu gamberro y abrasivo, ondeando la bandera de una música que es perfecta para eliminar toxinas. Y es que casi desde el inicio de su actuación se desató un pogo que no cesó hasta el final, poniendo la sala patas arriba.

Se podría decir que existen tres corrientes dentro del punk la político-reivindicativa, la nihilista y la hedonista. No hace falta decir que Mujeres pertenecen a esta última. El suyo es, en todo caso, un punk que flirtea con el indie rock, situándose en cierta forma como el eslabón que enlaza a Siniestro Total y Los Enemigos con Carolina Durante y la nueva hornada de grupos de Sonido Muchacho.

Está claro que los tres componentes del grupo son cada vez mejores músicos, y el sábado sonaron como un cañón. El eje principal de su actuación fue el material de sus dos últimos discos, Siento muerte y Desde flores y entrañas. Precisamente, comenzaron con Las victorias y derrotas, el tema que abre su último trabajo.

A partir de allí. fueron alternando indie rock, punk-pop y punk rock con temas como Vete con él, Dije fácil (con un aroma muy Ramones) o Besos (con un cierto toque surf rock). No tardó en caer Rock y amistad, la canción que han grabado junto a sus compañeros de sello (Sonido Muchacho), Carolina Durante. Y al sonido más poppie de Diciendo que me quieres le siguió Si piensas en mí y ese cañonazo que es Tú y yo. Por su parte, Un gesto brillante recuerda poderosamente el Ataque preventivo de la URSS de Polanski y el Ardor.

Y tras ese gran hit que es Un sentimiento importante, llegó uno de los momentos álgidos de la noche: la interpretación del oscuro Siento muerte, un tema que se sitúa entre el punkabillly y la psicodelia.

Para entonces, Mujeres ya era ese grupo plenamente reconocible que todo el mundo espera. Porque no es un concierto de Mujeres si sus componentes no acaban sudando a chorro. Y aún faltaba mucha tralla y mucho pogo por delante: Algo memorable, Todo bien, No puedo más o Cae la noche. Invitaron al encargado del merchandising a subir a tocar el teclado con ellos para Al final abrazos, el tema que han grabado junto a Cariño y que evoca candorosamente a la Velvet más relajada.

Y el final llegó con Aquellos ojos y con Romance romántico, al que unieron en forma de coda Un sentimiento importante de nuevo. El bis lo hicieron sin salir del escenario, Interpretando en primer lugar dos peticiones del público: su versión de No volveré de Kokoschca (que pareció más que nunca un remedo del Ça plan pour moi de Plastic Bertrand y que contó con un gran solo de guitarra de Yago) y Salvaje. Y, para rematar la faena, una arrolladora versión del Demolición de los peruanos Los Saicos.

Tras desgañitarse cantando las canciones y bailar el pogo de forma furibunda, el público acabó casi tan agotado (pero contento) como los miembros de Mujeres, que se fueron con el sabor del triunfo.

Antes del trío barcelonés habla ocupado el escenario de El Veintiuno el grupo zaragozano Pensamiento Único, que se debate entre el post-punk, el indie y el pop urbano, echando mano del autotune en la mayoría de sus temas. El grupo. que parece tender un puente entre los Fresones Rebeldes y Depresión Sonora, ofreció un repertorio en el que combinó temas de su primer EP, «Estudio para Una estrella más’. como La muerte o ese Una semana más con madera de hit (y que evoco el sonido Madchester), con canciones nuevas como Corres o Teresa, que definieron como un canto a la libertad y con la que cerraron su actuación. Habrá que seguirles la pista.

Texto: Luis Lles

Fuente: Diario del AltoAragón