El Veintiuno acogió un concierto acústico de Love of Lesbian

Hacía ya un tiempo que Luis Costa iba tras Love of Lesbian para que el grupo barcelonés actuara en su sala. Y ahora, coincidiendo con el 15⁰ aniversario de El Veintiuno, finalmente ha sido posible… aunque en una versión reducida de la banda y en formato acústico. 

No era la primera vez que Love of Lesbian actuaba en Huesca. Su debut en la capital oscense se produjo en marzo de 2008 en el Jai Alai en el marco de una fiesta de presentación de la que un mes después iba a ser la primera edición del festival Tremendo Pop de Monzón, que organizaba DJ Tupe. Casi diez años después, en 2017, la banda de Santi Balmes volvería a actuar en Huesca en las fiestas de San Lorenzo, en una noche compartida con Joe Crepúsculo y los oscenses El Verbo Odiado.

Y en este inicio de 2026, regresaban a la capital oscense (la capital mundial, como luego se verá) para actuar en un formato reducido, compuesto por el líder de la banda, Santi Balmes (voz y guitarra), Julián Saldarriaga (guitarra) y el productor del grupo, Dani Ferrer (teclados). Desde el principio de su actuación, en medio de una atmósfera festiva, se apreció claramente que la actuación iba a ser un acto familiar, con mucho humor y generosas dosis de complicidad entre artistas y público. 

De hecho, idearon su concierto casi como si fuera un bingo en el que la gente decidía el orden de las canciones. «Me siento como un jukebox«, dijo Santi Balmes, haciendo referencia a las viejas gramolas. Por su parte, Saldarriaga señaló que «hoy vamos a hacer lo que nos dé la gana«.

Y así, hablando casi tanto como tocando, y en un ambiente de camaradería, comenzó la actuación de uno de los grupos más carismáticos del indie nacional con uno de sus temas emblemáticos, Domingo astromántico, que se caracteriza por su delicado pop atmosférico. 

La actuación fue un recorrido por toda su discografía (excluidos sus primeros álbumes en inglés), aunque de su último trabajo, Ejército de Salvación, solo interpretaron dos temas. Después continuarían con temas como Música de ascensores, Cuestiones de familia (una de sus canciones más hermosas, de su álbum 1999) o Noches reversibles. No dejaron de agradecer la existencia de salas como El Veintiuno e hicieron varias referencias a las conocidas frases lapidarias de Loquillo, como cuando en un recinto le dijeron que allí no se podía fumar, y él, con su chulería habitual, contestó «eso es imposible, el personaje fuma».

Siguieron con Segundo asalto, I.M.T. (Incapacidad Moral Transitoria) (coreada por el público a pleno pulmón, sobre todo en su gran clímax final) o Un día en el parque, que en ese formato íntimo sonó casi en modo country o a la manera del sonido americana. Llegaba después el momento de la única versión del concierto, nada menos que de Lucha de gigantes de Nacha Pop, mítica composición de Antonio Vega, de la que Balmes dijo que le habría gustado componerla él.

Continuaron con Los colores de una sombra y con la emblemática 1999, en la que incrustaron guiños a la célebre canción popular mexicana La llorona y a una de las mejores perlas del pop español, ¿Por qué te vas? de Jeanette, que, por cierto, es una composición de José Luis Perales. ¿Qué vas a saber? fue uno de los dos únicos temas de su último disco que tocaron y que en el álbum interpretan junto a Amaral. Continuaron con la enérgica Me amo (con un cierto parecido a The lovecats de The Cure) y con El mundo, una de sus canciones más originales, construida en forma de letanía. 

Y así se llegaba a uno de los momentos más locos y divertidos de la actuación, cuando en medio del tema Incendios de nieve les entraron «ganas de mear» -en sus propias palabras- a los tres músicos y, ni cortos ni perezosos, se fueron al baño (situado justo al lado opuesto del escenario) atravesando toda la sala entre la gente, mientras el público seguía cantando el estribillo hasta que salieron del baño (a todo esto, todo el mundo con sus móviles esperando su salida) y se fueron de nuevo al escenario, donde acabaron de interpretar la canción. Algo verdaderamente surrealista, para los anales de El Veintiuno. Balmes, muy divertido, concluía la «operación», diciendo que «lo que pasa en Huesca se queda en Huesca». 

El trío enfilaba ya la recta final del concierto con La niña imantada (interpretada con un cierto aire jazzy) y uno de sus temas más populares, Club de fans de John Boy, aunque deformado hasta hacerlo casi irreconocible, en forma de tango. Tras un alegato contra el peligro que entraña la llegada de la ultraderecha, interpretaron ese himno generacional que es Allí donde solíamos gritar, uno de sus mejores temas. 

Y el final definitivo llegó con el otro tema de su último disco, La hermandad, coreado por todo el mundo, que el propio Santi Balmes definió como «un himno a la amistad». «Gracias, Huesca, la capital mundial», gritó Saldarriaga al despedirse. Por los altavoces sonaba La capital mundial (sí, Huesca), el rap humorístico de Da Flowers de hace diez años, en el que, por cierto, hacía un cameo el propio Santi Balmes. Cerrando el círculo

Texto: Luis Lles

Fuente: Diario del AltoAragón

El Verbo Odiado presentó su cuarto álbum en El Veintiuno

Aunque no era una corriente homogénea, el existencialismo —al que se adscribieron de una forma u otra figuras tan distintas e incluso antagónicas como Kierkegaard, Nietzsche, Camus o Sartre— consideraba que el punto de partida de su concepción filosófica era el individuo y la experiencia subjetiva. Y todos ellos compartían un interés obsesivo por conceptos como la condición humana, la libertad, las emociones, el sentido de la vida o la desesperanza.

A la luz de todo ello, se podría afirmar que el grupo oscense El Verbo Odiado es heredero del existencialismo, que comparte sus mismas preocupaciones, a las que ellos añaden el amor (y el desamor) y la muerte, idea que aparece en muchas de las letras de sus canciones. Parafraseando el título de una película de John Huston de 1969, se podría decir que los conciertos de El Verbo Odiado constituyen un paseo por el amor y la muerte.

Estos nuevos existencialistas, que el viernes presentaron en directo en El Veintiuno su cuarto álbum, El Gran Odio, a nivel musical beben de corrientes como el shoegaze, el noise pop o el post-punk. En todo caso, se trata de música introspectiva, ensimismada, a veces de una profundidad abisal y siempre con tendencia a la creación de atmósferas intensas y obsesivas.

Desde que se formó en el año 2012, el grupo ha experimentado una formidable evolución, sin salirse nunca de su senda personal y ganando por el camino un número creciente de fans, como lo demuestran sus dos recientes sold outs consecutivos en la Sala Cadavra de Madrid, su incorporación al programa GPS (Girando Por Salas) o la muy buena entrada del viernes en El Veintiuno, con un público que se conocía ¡todas! sus canciones. Parecen estar, sin duda, en su definitiva rampa de lanzamiento.

Y, desde luego, Jorge Pérez —en su papel de líder taciturno—, Jorge Moreno, Adrián Mored, Pepé Ibáñez y Juan Ramón Plaza forman una banda cada vez más compacta y poderosa. Dividieron su actuación en dos partes. En la primera interpretaron al completo su nuevo álbum, y en la segunda repasaron algunos de los temas de su discografía anterior.

La noche comenzó en plan intimista con Un río nuevo, tema de claro carácter confesional y guiado por una guitarra desnuda de artificios. Siguieron con uno de los hits de su nuevo trabajo, Canción rota. Y tras mostrar su lado más pop en el tema Centro de gravedad, subieron el nivel de intensidad con Laberinto, que terminó con una bella y silenciosa coda final.

K2 —certera metáfora—, en clave de post-punk, evocó el más puro existencialismo con esa letra que repite “nacer para morir”. De nuevo, subió la intensidad con El texto, y en El canto del cisne siguieron una fórmula que suelen aplicar en bastantes de sus canciones: un inicio íntimo y tranquilo que va subiendo el tono hasta llegar a un final explosivo.

El sonido shoegaze de La metamorfosis dio paso al pop férreo y rotundo de El Gran Odio y, por último, al tema que da nombre al grupo, El Verbo Odiado, una suerte de montaña rusa sonora que da comienzo con una bruma pesadillesca para después ir subiendo y bajando su intensidad hasta desembocar en un largo final instrumental en clave noisy.

Hasta allí había llegado la presentación de su nuevo disco. Y tras un breve descanso, que aprovecharon para cambiar algunas cuerdas rotas, el grupo oscense subió de nuevo al escenario para ofrecer una segunda parte con temas de sus anteriores álbumes, comenzando con la contundente y lacerante La pasión y siguiendo con ese Maniatados que cabalga sobre un hipnótico y lisérgico ritmo motorik propio del krautrock.

A la nebulosa noisy de La mancha, le siguieron el perturbador Semifinal (a vida o muerte), el shoegaze pop de Fargo y uno de sus hits incontestables, A punto de fuga, que a mí siempre me evoca a los primeros U2, con su brillante e infeccioso riff de guitarra. Y el final llegaba con la intensidad ígnea de La peor deuda.

Pero faltaba la propina, para la que no pudieron elegir mejor tema, El odiado, con su inicio planeador sobre la base de un sintetizador y su desarrollo en forma de clímax que no llega nunca a alcanzarse, siguiendo en cierta forma el mismo esquema del Bolero de Ravel, pero en clave post-punk, con los fantásticos coros agudos de Pepe apoderándose del explosivo, intenso y catártico final del tema. Un magnífico broche para una actuación que sirvió para confirmar el excelente momento actual del grupo.

Texto: Luis Lles

Fotos: Rafa Ariño

Fuente: Diario del AltoAragón

Karavana realizaron su debut oscense en El Veintiuno

Es evidente que el titular de esta crónica es un oxímoron. Romanticismo y punk son dos términos antitéticos. El verdadero punk siempre fue nihilista. Más incluso que político o combativo, fue nihilista. Y, desde luego, el nihilismo está muy alejado del romanticismo.

Claro está que lo que hace Karavana, grupo madrileño que el viernes hacía su debut oscense en la sala El Veintiuno, tampoco es punk en sentido estricto. Se trata más bien de punk-pop. Punk pijo lo llaman algunos. Y es que, aunque ellos citan a The Strokes o The Vaccines como referentes (que sí, también), lo cierto es que son un eslabón más en esa cadena que une a los Hombres G con los Nikis y con Carolina Durante. Y es que, como se suele decir, quizá la historia no se repite, pero rima.

En todo caso, la música de Karavana tiene un componente claramente generacional. Una música vibrante, electrizante y ruidosa, con unos estribillos pegajosos como un chicle y unas letras que casi siempre hablan de amor (y desamor)… y del angst, esa angustia vital que suele aquejar a la juventud y que tiene más que ver con los millenials que con la Generación Z.

Espectadores de estas dos generaciones fueron los encargados de corear todas y cada una de las canciones que interpretó Karavana, cuyo cantante Gonzalo Boatas se adhirió a algo que parece estar convirtiéndose ya en una moda o en algo habitual: la ascendencia oscense de algunos de los artistas que nos visitan.

Y es que Boatas dijo que su abuela paterna era oscense. Hace pocas semanas fue la cantante de las Hinds en esta misma sala quien presumió de parentela oscense. Pero antes lo han hecho, entre otros, Carlos Sadness, Maria Arnal, Jarabe de Palo o la mismísima Geri Halliwell de las Spice Girls. Pues bien, bienvenidos sean los oscenses y altoaragoneses de la diáspora.

Karavana posee un directo potente y enérgico, que engancha desde el primer momento al público, que bailó y se desgañitó coreando las canciones a voz en grito durante todo el concierto. La noche dio comienzo con Amores y errores, todo un hit de vibrante indie punk con el que comienza su segundo álbum, Entre amores y errores, que interpretaron al completo y que fue el eje central de su actuación, aunque no faltaron tampoco algunas de las canciones de su primer trabajo, Muertos en la disco.

Siguieron en la misma onda con Resaca pop, pero viraron a un post-punk rayano con el heavy con Mismos vicios. Después llegarían el punk-pop de Ya no puedo más, el power pop de ese gran hit que es Martes, sábados y de la energética Qué bien los dos, entre las cuales sonó también la canción más poppie de la velada, Cariño. Manteniendo el pulso punk-pop, continuaron después con Qué putada, Después de tanto, Hoy (en una veta más puramente pop), El final (uno de los más coreados por el público) o Madrid, otro de esos hits instantáneos que Karavana tiene en su repertorio.

Y llegó el momento de la que, al menos en opinión de este cronista, es su mejor canción: Fantasma, con su adhesivo estribillo y con ese soniquete de power pop ruidoso que les conecta a los fantásticos Undertones. Ya en la recta final, encadenaron Strokes (su tributo a la banda neoyorquina en el que arremeten contra C. Tangana), Pastillas y ¿Quién quiere más (MDMA)?, otro de sus mejores temas, su réplica electropunk al Así me gusta a mí de Chimo Bayo, que desemboca en un auténtico nirvana noisy.

El broche final lo puso El verano de los 27, otra andanada de punk-pop en la que hacen referencia a todas esas figuras de la música que han fallecido a los 27 años: de Jimi Hendrix y Janis Joplin a Jim Morrison o Kurt Cobain, pasando por Amy Winehouse.

Al final, Karavana no interpretó su divertida versión punki de Tití me preguntó de Bad Bunny. Lástima. Pero eso no pareció importarle a la extasiada y satisfecha audiencia, que disfrutó a placer con la actuación de esta joven banda madrileña.

Texto: Luis Lles

Fotos: @Alexio.Raw

Fuente: Diario del AltoAragón

El grupo catalán Anabel Lee hizo su debut en la sala oscense El Veintiuno

En la presente temporada la sala El Veintiuno está apostando por muchos artistas y grupos que no habían hecho todavía su debut en Huesca. Uno de ellos, Anabel Lee, actuó el sábado en la sala oscense.

El trío de Tarrasa, que está formado por el cantante Víctor Mejías, el bajista Albert Perdices (que no paró de dar botes toda la noche) y el baterista Jordi Orellana y que en esta actuación oscense contó con una joven guitarrista como apoyo a la música del trío, se creó en 2019 y basa su sonido en una poderosa combinación de power pop, punk y nueva ola ochentera, tal como se pudo apreciar claramente en los dos álbumes que han grabado hasta la fecha, el homónimo Anabel Lee y Ganamos perdiendo.

Anabel Lee es el título de un cuento de Edgar Allan Poe y es también el de una canción de Radio Futura, que al parecer, es el verdadero origen del nombre de este grupo, que, de cualquier forma, afirma que en su caso se pronuncia Anabel Lee (tal como suena) o Anabel “Li”.

Con un público ganado para la causa desde el primer momento, el grupo arrancó su actuación con Deberías estar conmigo, el tema que inauguraba su primer álbum en clave de puro power pop. Las dos siguientes piezas se situaron más cerca del indie: Sobran detectives y Cristales rotos, cuyo ritmo pareció evocar esa joya del pop español que es Perlas ensangrentadas de Alaska y Dinarama.

Volvieron al power pop con Tus putas canciones, que trata sobre la evanescencia de la música. Enlazaron después un punk-pop a lo Rezillos/Revillos de Roma caerá y Me das asco, tema coreado a voz en grito por todo el público.

Por su parte, Fleabag (gente real) miró al punk nuevío de Glutamato Ye-Yé. Llegó después uno de los más esperados de la noche, Enchochado de ti, muy en la onda del punk-pop, entre Weezer y Green Day, uno de sus referentes.

Drama en el Sonorama comenzó a lo dulce de balada para pasar después a un pop-rock melódico, en la misma línea de El espacio, al que precedió Qué quieres de mí, canción en la que hicieron un guiño al Cumpleaños total de los Planetas.

Tampoco faltó su tema más reciente, avanzo de su tercer álbum, Ven a juzgar, en clave de post-punk, envuelto en unos arreglos oscuros. Y siguieron después con Cabezas de cartel, que se acercó de refilón del Dancing with myself de Billy Idol.

La sorpresa saltó cuando asombraron a los allí presentes con Como un burro amarrado en la puerta del baile, el conocido tema de El Último de la Fila que Víctor Mejías cantó subido a la barra. Una acción que constituye ya un clásico de El Veintiuno.

Ya en la recta final, Anabel Lee interpretaron la rockera La mejor canción del año y, como broche, Natural para Vogue, de nuevo evocando al gran Billy Idol.

Se despidieron saludando al público mientras sonaba por los altavoces American Idiot de Green Day, un clásico del punk-pop. Y es que está claro que este grupo de Tarrasa combina la actitud punk con un corazón pop.

Texto: Luis Lles

Fotos: @Alexio.Raw

Fuente: Diario del AltoAragón

Las bandas Behaves! y Levitants compartieron velada en la sala El Veintiuno de Huesca

TIEMPOS nuevos, tiempos salvajes. Es lo que cantaban los Ilegales en los 80. Siguen cantándolo y, tal como está ahora mismo el panorama mundial, es un mensaje que continúa teniendo absoluta vigencia. Porque estamos viviendo unos tiempos nuevos decididamente salvajes. Y como corresponde a esta época, los grupos también están acentuando su vertiente más dura y montaraz, y, como diría Lou Reed, se van de paseo por el lado más salvaje y electrizante. Es algo que dejaron muy claro los dos grupos que compartieron el pasado sábado el escenario de la sala oscense El Veintiuno: los locales Behaves! y los vallisoletanos Levitants, dos bandas muy diferentes, pero unidas por su pasión por la electricidad.

Salieron a la palestra en primer lugar los oscenses Behaves! en la que era tan solo la tercera actuación de su carrera. Se les había visto anteriormente en la última edición del Garrampa Fest, pero en esta ocasión se enfrentaban a su público cuerpo a cuerpo. Y, desde luego, salieron victoriosos de la prueba, cuajando una actuación vibrante y con plena conexión con el público.

Su música, con un claro acento british, parece situarse en medio de un imaginario eje que uniera las ciudades de Londres, Manchester y Nueva York. Con el cantante Carlos Naval sacando a relucir su descomunal y revoltoso histrión, y bajo la batuta más serena del guitarrista Chema García, este grupo surgido de la disolución de The Bärds y Lucca ofreció un repaso a su primer EP, adobado con varios temas nuevos y alguna que otra versión. Iniciaron su actuación con In & Out, su banderín de enganche, el tema que les ha abierto las primeras puertas, un tema que recuerda a los Blur más energéticos.

Siguieron con Kiev, con un ritmo nervioso y unas guitarras afiladas y cortantes a la manera de The Fall, y con April’s Fool (el Día de los Inocentes, que en el mundo anglosajón se celebra el 1 de abril), que sonó como una curiosa mezcla entre la scallydelia de Stone Roses y el rap alocado de los Beastie Boys. Tras interpretarlo, tuvieron unas palabras de recuerdo para Merio, el rapero del grupo oscense Fongo recientemente desaparecido en un accidente.

Después le llegó el turno a la canción que les da nombre, Behave! en clara onda post-punk, una andanada de rabia y trepidación. La primera versión que realizaron fue de Bonehead’s Bank Holiday de Oasis, antes de la cual Carlos Naval, con su humor y sorna habitual, dijo que esto era lo más cerca que los que estábamos en la sala íbamos a estar de ver a Oasis en su gira de retorno. Ray of light (que no, no es el tema de Madonna) es una de sus piezas más poderosas y magnéticas, algo así como un cruce entre la Velvet Underground y los Primal Scream más stonianos.

Y tras ese Hit Radio que les acerca al sonido neoyorquino de The Strokes, llegó la sorpresa con dos canciones nuevas cantadas en castellano: la primera, Todos tienen las llaves de mi casa menos yo, es más pop y contiene una letra de las que crean adicción. Y la segunda, la explosiva Está mal, es todo un hit en potencia, que recuerda a unos planetas con sobredosis de garage punk. Zanjaron su actuación con una magnífica versión del Common People de Pulp, a la que dotaron de un aire obsesivo a lo Modern Lovers. Perfecto broche para una actuación que no hace más que confirmar que estamos ante un grupo con un potencial enorme. ¡No les pierdan la pista!

Tomaron el relevo los pucelanos Levitants, que tras dos discos cantando en inglés, han apostado recientemente por el castellano. Levitants es, en realidad, el proyecto personal del cantante, compositor y guitarrista Sergio Isabel, a quien ahora acompañan el bajista Marcos Merillas, el guitarrista Sergio Arconada y el baterista Pablo Sanz.

Arrancaron con el potente indie rock de La ventana, uno de los temas que componen su último álbum hasta la fecha, Futuro inmediato, que interpretaron prácticamente al completo. Desde el primer momento fueron introduciendo también temas nuevos, como Sofisticado, en una onda más lisérgica y con cierta conexión con Los Planetas. Y entre dos canciones de su álbum Enola que les acercan a ese post-punk del siglo XXI de grupos como Interpol, Editors o White Lies (Suicide y Red lines), sonó otro de sus temas nuevos, Visionarios, prácticamente situado en el inhóspito y duro terreno del stoner rock.

Al veloz ritmo de Paladines de Occidente le sucedió otra canción nueva, a caballo entre el post-punk y el grunge más doliente, Ciudad de viejos, que enlazaron con la parte más oscura de su actuación, la conectada a grupos como Sisters of Mercy, The Mission o Héroes del silencio, con temas como Vámonos, Uno de los nuestros o ese gran hit del gothic rock que es Kolmanskop.

Después Sergio Isabel se bajó del escenario y solo con su guitarra acústica cantó entre el público-que guardó ¡por fin! un riguroso silencio- su tema Oeste, muy próximo al espíritu indie. De nuevo sobre el escenario, continuó con la onda de emopop indie a lo Izal con Nuevas me- tas. Y ya en la recta final, remataron con su hit Adelante (con una línea de bajo muy en sintonía con The Cure) y con el tono épico de Nuevas generaciones. Así se cerraba una velada en la que el público había sido obsequiado con una doble dosis de furia y electricidad.

Texto: Luis Lles

Fotos: @Alexio.Raw

Fuente: Diario del AltoAragón